DeVuego | PRensa ESpañola de Videojuegos

Es una de esas piezas únicas que cuando salen borran de un plumazo el debate sobre si el videojuego puede ser arte. Incluso alguien que no tiene ni idea de expresión artística como es quien suscribe estas líneas, es capaz de captar la belleza de cada fotograma y sentir congoja al ver cómo se transforma un mundo que está constantemente en el límite entre la oscuridad y la luz.

Si queréis una experiencia de unas diez horas que tenga un pellizco de todo, este título os encantará. Sin embargo, tal y como pensé a lo largo de toda su historia, no puedo dejar de agregar un «pero» malpensante cada vez que veo una mecánica o una parte de la historia con gran potencial. Creatures of Ava es un buen título, pero es demasiado videojuego.

Es un título apto para todos los amantes de los retos y el frenetismo, con cierta atmósfera nostálgica y que, además, viene a señalar (una vez más) la gran calidad de muchos de los proyectos que se encuentran dentro del panorama indie español. Un título que no defraudará a los valientes que se pusieron en la piel del Rey de la Oscuridad y buscan ese toque de sufrimiento que provoca tanta satisfacción al ser superado.

Out of the Blue vuelve a conseguir transmitir esa atmósfera especial que le caracteriza, y deja patente que cada una de sus entregas fusiona el arte y la narrativa como dos de sus pilares esenciales. Así, el futuro del estudio parece más que prometedor. American Arcadia se me ha pasado volando. Cuando me quise dar cuenta, estaba inmersa en él, agradeciendo por una parte disfrutar de una aventura sencilla y directa y, por otra, quedándome con ganas de ver más, aunque una duración más larga hubiera desvirtuado la experiencia

A través de una capa de fantasía, se tratan temas delicados con una sensibilidad exquisita. Puedes quedarte con la imagen de un yeti azul de cuatro brazos, o puedes pensar en lo que supone que no quede nadie en el mundo capaz de entender lo que es tener cuatro brazos. La forma en que se desarrollan los sentimientos de ambos personajes dibuja un bello retrato acerca de cómo las emociones son capaces de unirnos a todos sin importar nuestra lengua, raza o capacidades. Las emociones no entienden de idiomas, pues al fin y al cabo los gruñidos de Willump solo los comprende Nunu; razas, pues estamos hablando de un yeti y de un crío; ni de capacidades, pues ningún chaval se puede comparar a una bestia mágica capaz de conjurar hielo y asestar puñetazos cuádruples. Y aún así, el vínculo entre ambos es tan profundo que nada de eso importa. Es ahí radica su fuerza, la de Nunu, la de Willump y la del juego. En una magia que, a diferencia de conjurar hielo, queda al alcance de todos nosotros. El cariño. 

Koa and the Five Pirates of Mara es un título repleto de buenas ideas, pero su modesta factura le juega malas pasadas en varios aspectos. La experiencia es divertida y me ha resultado muy interesante su enfoque hacia las partidas rápidas basadas en pruebas de velocidad, pero, a pesar de que es completamente funcional a los mandos y es  atisfactorio controlar a Koa, hay ocasiones en las que el exceso de inercia del control nos impide conseguir la máxima puntuación. La faceta de aventura, por su parte, no  ermina de destacar, pues la exploración es demasiado básica y el diseño de niveles es bastante pobre. El resultado es extraño, ya que hay una parte que es todo un desafío, mientras la  tra mitad parece pensada para los más pequeños de la casa.

Blasphemous II mejora en todo a la primera entrega. Es más maduro en mecánicas, diseño de niveles y apartado audiovisual, donde ya es un referente para la industria. Absorbente, fresco, desafiante. La penitencia soñada.

La magia de Inner Ashes reside en el hecho de ser capaz de representar un tema que afecta a tantas personas de una manera tan accesible. No es la primera vez que vemos algo así en el mundo de los videojuegos. Celeste, Hollow Knight o Hellblade, por citar algunos, también dan visibilidad a temas sociales; con todo, lo interesante de esta entrega es que deja volar la imaginación, y para ello se vale de la creatividad para representar determinadas situaciones

Tras completar la aventura y dejar unos días para valorar el poso que me ha dejado, si tuviese que recomendar a alguien After Us me vería obligado a decirle lo mismo que con otros títulos de características similares: le preguntaría qué buscan en él y cuáles son los elementos que considera más importantes en un videojuego. Porque tengo la sensación de que hay un exceso de propuestas así, de esas que buscan transmitir un mensaje como principal aliciente para el jugador, pero que en raras ocasiones ponen sobre la mesa algo convincente a nivel mecánico. Tampoco es un problema; al final y al cabo ofrece una experiencia sencilla y agradable que no tiene demasiadas pretensiones, más allá de lanzarnos un potente y necesario mensaje. O un aviso, más bien.

Juegos de palabra aparte, Minabo ofrece una experiencia única. Ya sea por el encanto de los protagonistas, por la curiosidad de la propuesta o por lo desafiantes que son algunos niveles, he de admitir que Minabo deja un regusto agradable en el paladar, pues sabe exprimir al máximo todas sus virtudes. En esencia, ese es el condicionante que le lleva a ser una obra que debe ir más allá de un nombre magnífico capaz de calar al instante. Por ello, no puedo terminar sin recomendar a los interesados que no pierdan la oportunidad de probar Minabo.

Un trabajo en el que se nota el mimo y entendimiento de lo que son y lo que significan para los jugadores. Lo negativo, misiones secundarias algo repetitivas, o ese primer choque con los controles, es algo tan TAN poco destacable, que no puedo evitar centrarme en todas las cosas que este título ha hecho bien. ¡La gran revolución de los magos ha empezado!

Es un trabajo hecho con cariño, especialmente en lo artístico. Los más avispados verán claros homenajes a la Disney de antes y a un buen puñado de series y películas aclamadas por la cultura pop. Con un poco más de profundidad en el control —quién sabe si hubiera estado mejor hacer un solo personaje complejo en lugar de cuatro algo básicos— y algo más de testeo, estaríamos hablando de uno de los grandes search action del año.

En pleno 2023 no voy a descubrir a nadie el hecho de que el desarrollo de videojuegos en España ha alcanzado un nivel que hace unos años ni podíamos imaginar. Sin embargo, sí que me gustaría destacar algo que no puede hacerme más feliz: la evolución continua del search action, una propuesta en la que incluso una sola persona es capaz de plasmar su amor por la fórmula en un título que, más allá de los guiños que alberga, presenta argumentos suficientes para considerarse una de las sorpresas del año pasado.

Endling es un juego que impacta y sorprende desde un punto de vista narrativo, pero no resulta ni muy entretenido ni divertido al no haber terminado de remendar unas mecánicas de supervivencia con mucho potencial, pero poco aprovechadas. Quizás por falta de recursos, o quizás por querer hacer llegar el mensaje más claro y rápido a todos los jugadores, Endling nos ha sorprendido, mas también nos deja un sabor agridulce.

Oxide Room 104 es un título que contiene todos los elementos necesarios para conformar un juego de terror muy válido. Tan solo a nivel gráfico, en cuanto a modelados de los personajes, se notan un poco más las costuras de un peso llevado por dos personas en el desarrollo. Más allá de eso, a nivel de historia, ambientación y acción, es una gran opción para volver a esa esencia de Silent Hill de la que os hablaba al inicio. Y no solo eso, sino que sabe crear su propia identidad a través de unas mecánicas interesantes, un diseño oscuro y una historia compleja sobre la que tendremos más noticias en el futuro. En palabras de los propios creadores: «Oxide es solo el principio».

Es de aplaudir que todo el contenido clave, quitando algunos atuendos, esté incluido en el disco. Todos los personajes se desbloquean al completar una serie de misiones individuales (que por otro lado, son muy pobres narrativamente y al no tener puntos de guardado pueden ser una tortura). Con una única compra de 40 euros tienes acceso a todo el juego, el cual recrea inteligentemente la esencia de las películas y está muy cuidado a nivel técnico. Pero, salvo que seáis muy fans del Raimiverso, quizás sea (de momento) una inversión arriesgada por su falta de variedad.

Souldiers es uno de esos títulos que uno puede recomendar sin pensarlo dos veces a cualquier seguidor de la fórmula metroidvania. Una muestra más de que el género es una inagotable fuente de ideas, y de que el desarrollo de videojuegos en España comienza a situarse en unos niveles de calidad por los que pocos apostaban hace unos años. La experiencia ofrece un sinfín de guiños a grandes clásicos, el conjunto es sólido, equilibrado y hace bien casi todo lo que intenta.

Disfrutar durante más de treinta horas me ha dejado un gran sabor de boca. Su apuesta por las mecánicas de plataformas de antaño, esas en las que a menudo no había enemigo más peligroso que la autoconfianza a la hora de realizar un salto, así como su cuidada dirección de arte o el carisma de sus personajes, ha logrado conquistarme en la recta final de un 2021 marcado, precisamente, por la amplia oferta de alternativas en uno de mis géneros favoritos.

Metroid Dread ha sido una grata sorpresa y una fantástica introducción al universo de Metroid. Apenas puedo ponerle un solo «pero» y, sin embargo, he de decir que el hecho de haberme olvidado de su OST hasta llegar a estas líneas es síntoma de que, quizás, el revestimiento musical ha sido la parte más discreta de un títutlo que, por lo demás, tiene una factura envidiable. Ha sido un placer conocerte, Samus.

Song of Horror es una oda al survival horror de los años 90, aunque también apuesta por algunos elementos que hemos visto en los —pocos— referentes del género que nacieron más allá de los 2000. Una experiencia diseñada con suma inteligencia, compleja como ella sola y capaz de mirar de tú a tú a esos nombres propios que copan las posiciones más altas de las listas que todos hemos elaborado alguna vez, esas en las que listamos nuestros videojuegos favoritos. Más allá de algún que otro problema técnico, no tengo un solo reproche para él.

En definitiva, ¿merece la pena apostar por Alex Kidd in Miracle World DX? Es la pregunta que siempre surge cuando se aborda la crítica de un videojuego, y en este caso es sumamente fácil de responder: sí. La posibilidad de jugar a la versión original —o pasar del remake a ella en un abrir y cerrar de ojos— es suficiente para dar lugar a una nueva oportunidad de disfrutar del clásico de los ochenta. Además, el trabajo realizado en lo que al lavado de cara se refiere es notorio, más allá de algunas decisiones en lo referente al apartado audiovisual que deberán ser valoradas por cada persona pero que, al fin y al cabo, están ahí para ofrecer una nueva visión del título.

Itadaki Smash es una experiencia interesante y muy divertida si te gustan los beat’em’up y quieres pasar una tarde con un buen producto nacional. En cooperativo gana enteros pese a que sea algo más sencillo y, sin duda, tengo que recomendarlo a aquellos que ya le hayan echado el ojo. Sin embargo, para otros, puede resultar demasiado simple, poco compensado en lo técnico e incluso corto, según la experiencia que busques. Por mi parte, lo he completado varias veces y sus modos extra creo que son un añadido suficiente para lo que podemos exigirle. Espero que lo volvamos a ver en el futuro, con sus aristas pulidas y con un potenciado de todo lo bueno que tiene, que no es poco.

Pequeñas cosas que, al final, vienen a decir que Mail Mole es un estreno sobrio y rotundo, modesto y humilde en el mejor sentido de la palabra. Es un lanzamiento con algo que decir dentro de los plataformas 3D, especialmente en su tramo final. Teniendo en cuenta que esto es su primer trabajo, puede que nos convenga acordarnos de Talpa Games en el futuro.

La mayor fuerza del título es su historia y su narrativa, elementos que pierden valor en una segunda vuelta, por lo que creo que esto fue una decisión de diseño desacertada. A pesar de estas taras, Narita Boy sabe brillar con fuerza en donde quiere, lo que resulta en una inyección de nostalgia y estilo a la antigua usanza, que hará las delicias de los jugones de mi quinta y los amantes de las buenas historias.

Mi viaje por la isla duró en torno a siete horas. Conforme me acercaba a la misma, no era capaz de hacerme una idea sobre lo que estaba a punto de encontrarme, pero un pálpito me decía que mi principal enemigo no sería ni una suerte de aberración cefalópoda, ni oscuras visiones dispuestas a poner a prueba mi cordura. No me equivoqué; el único obstáculo que se ha interpuesto en mi camino hacia las respuestas ha sido mi capacidad para interpretar los entresijos de la obra de ingeniería que otros llevaron a cabo en tiempos pasados. Intuición, supongo. Aunque, pensándolo bien, ¿acaso el amor no nace de ella?

Crema tiene trabajo por delante y pueden estar muy orgullosos del trabajo que están haciendo, ya que la experiencia en PlayStation 5 es sólida. No hay caídas, no hay fallos, no hay flecos. Algo que, aunque pueda sonar sorprendente, no es tan común en los tiempos que corren.

Evidentemente, no es un juego perfecto; ni explota al máximo las posibilidades que pueda llegar a tener ni deja un regusto en los labios a GOTY. Pero es tan redondo como quiere ser, tiene la longitud que merece tener y cuenta todo lo que debe contar con la cantidad justa de palabras en forma de código. A Tale of Paper es una pequeña gran historia para todo el mundo. Pero, sobre todo, es una primera apuesta de un estudio que, partiendo desde cero, puede llegar a lo más alto si se lo propone… aunque probablemente se conforme con forjar estas pequeñas grandes historias.

Ha pasado bastante tiempo desde que la exitosa campaña de Kickstarter confirmara que hay un público tras Summer in Mara deseando disfrutar de la experiencia ue propone el título. Como cada jugador es un mundo, y hay para quien abordar misiones secundarias y tareas que repiten su esquema no supone un problema mayor, estamos seguros que dicho sector de usuarios disfrutará de Summer in Mara. Pese a ello, hay varios problemas en su desarrollo y el diseño de su esqueleto jugable requiere una profunda revisión de cara a abordar futuros proyectos.

El estudio madrileño RECOTechnology firma un juego al que le ha podido la ambición artística, pero que en lo jugable todavía tiene un largo camino por recorrer.

Dawn of Fear me ha dejado un sabor amargo. Por un lado, por momentos he disfrutado mucho de una experiencia tradicional capaz de hacerme viajar veinte años al pasado. Por otro, las costuras de un desarrollo humilde se han dejado ver en forma de varios bugs bastante molestos, así como de ciertos problemas de diseño. Si el equipo logra solventar estos problemas, PlayStation 4 contará con un título capaz de evocar los mejores recuerdos de tiempos pasados.

El todo de Kofi Quest: Alpha Mod es un ejercicio de buen hacer. Sé que falla en algunos de los puntos clave donde no puede flaquear un juego, pero he de recordar que en Loftur son neófitos en el desarrollo de un videojuego. Tengo que alabar en ellos lo correctos que han querido ser, la seguridad con la que han dado cada paso y el hecho de que hayan querido ser ambiciosos, pero siempre teniendo en cuenta que están empezando y que quieren ofrecer una buena primera impresión a los jugadores.

Blacksad: Under the Skin ha sido una aventura inolvidable y amarga. Tan amarga como lo es la obra original. Un juego donde mi afán por ser el héroe me ha granjeado una bala en el pecho. Donde he tomado todas y cada una de mis decisiones sin estar convencido. Donde he empatizado más de lo que me hubiese gustado con todos y cada uno de los ¿villanos? que me he encontrado. Donde he dudado, hasta el último segundo, de escoger el mal menor. Y al final tan sólo quedaba una pregunta ¿hubiese tomado las mismas decisiones de haber sabido lo que pasaría ? Creo que no.

Como la vida, la historia de Arise puede conocerse al completo si exploramos todo su mundo y encontramos los recuerdos de nuestro protagonista plasmados en una serie de preciosas ilustraciones. Del mismo modo, y si así lo queremos, podemos elegir vivir la experiencia con otra persona, que, con un segundo mando, pasa a controlar el tiempo. Como veis, vida y juego se entrelazan de diferentes maneras para dar como resultado una de las mejores experiencias que viviréis jamás. Porque ya sabéis, solo tenemos una vida y nosotros elegimos como vivirla. ¿Dejaréis pasar esta?

Blasphemous no es perfecto: a su impresionante y cuidado apartado audiovisual podría achacársele caer en una pequeña monotonía una vez pasado el ‘efecto wow’ inicial, contar con controles algo imprecisos al realizar determinados combos o tener algunos errores más de los deseables, pero sin duda supone un paso firme en la carrera del estudio y lo sitúa en el punto de mira internacional —también a la cultura e industria españolas— gracias a una obra con personalidad y rebosante de calidad. Un juego que, para los amantes de los plataformas más clásicos y de las estéticas de FromSoftware, supondrá todo un regalo, y que a su vez ayudará a introducirse en el género a aquellos llamados por su arte y agradecidos de una dificultad más justa.

Operation Pig parte de un concepto interesante, pero peca rápidamente de tener una mecánica repetitiva y con errores, una dificultad injusta con el usuario medio y un sistema de rejugabilidad que tiene muy poco incentivo y que acorta peligrosamente la vida del producto. A pesar de ello, los más sufridores durante la década de los ochenta sabrán sacarle partido y disfrutarlo como si de un buen plato de jamón se tratase. ¡A esta ronda invita Ramón!

Un ordenador, varias cámaras y unos cuantos simios es todo lo que Fictiorama Studios ha necesitado para confeccionar un relato sobre la frustración, el control y el poder, sublimando su mensaje desde la pantalla hasta el jugador.

Querido fan del viejo Spectrum de 48K: la edad de oro del soft español podría estar pasando ante tus ojos ahora mismo y estás perdiéndote videojuegos pensados por y para personas como tú. Eternum EX no es más que el último ejemplo. Intentemos todos apoyarlo para que no quede en el olvido... sus autores y otros estudios parecidos merecen la posibilidad de realizar más videojuegos como este.

Sin embargo, más allá de este debate casi semántico, la experiencia que ofrece GRIS es embriagadora y onírica, a la par que inteligente y organizada. Es una de las mejores obras que he vivido en los últimos años y esto me hace dejar de lado por un momento el debate sobre arte, videojuegos y mecánicas.

Y mientras esperamos el crecimiento de Khara, disfrutamos la hermosa aunque breve partida que nos proporciona en un mundo helénico de ensueño.

El juego tiene un potencial enormemente desaprovechado, pero no puedo negar que es muy divertido y que además dura el tiempo justo —unas diez horitas— como para que este ciclo recurrente no llegue a aburrir. Solo por su delicioso pixel art y la coherencia de su banda sonora merece la pena echarle un buen ojo, pero su irreverente trama y sus fallas en el diseño hacen que me cueste recomendarlo a viva voz. Da rabia, porque con muy poquito cambio podría ser todo un portento del género.

Para mí, Deiland es ese juego que me hace pensar que no nos vendría mal tener unos axiomas que eviten que el edificio se caiga, que nos permitan decir «Por aquí no paso. Esto no puedo darlo por bueno». Si os gusta la idea del título, cuyo atractivo he reconocido al principio del texto, os recomiendo jugar Dragon Quest Builders, que sabe hacer de forma correcta todo lo que Deiland no.

Crossing Souls es un buen juego. Prácticamente todo lo que hace es correcto de forma individual, pero se queda lejos de la maestría. No es fácil criticar una obra que, si bien comete errores, siento que lo poseía todo para ser mucho mejor. Tiene unos personajes increíbles con los que conectas tanto a nivel emocional como mecánico desde el minuto uno y una historia que habla sobre el poder de los lazos que crea la amistad. Y aún así, el carisma que presenta en sus diálogos, en su estética visual y en su música me hace recomendarla a cualquier jugador que añore los 80.

Todo este popurrí de ciencia ficción, pesimismo y delincuencia cibernética devienen en una obra madura y necesaria, ya que la limitada capacidad del ser humano nos priva de cambiar tanto social como moralmente por el bien del presente y el incipiente futuro. Es un juego que se desarrolla a través de diálogos y conversaciones y trata de mostrar la complejidad de las personas a través de un amplio abanico de personalidades. Si entre todos no remamos hacia una sociedad más enriquecida éticamente, de nada servirá esa multitud de caracteres.

Con todo, RiME es perfectamente disfrutable en línea recta y sus puzles se antojan meramente accesorios para avanzar en una aventura donde historia y narrativa recalan en elementos visuales y artísticos para dibujar, en nuestra mente, los fantasmas que anidan en nuestros corazo-nes cuando atravesamos una fase de duelo. Una experiencia que, de se-guro, no dejará indiferente a nadie.

En resumen, Super Hydorah es toda una ventana al pasado, y hará las delicias de quienes se dejaban los cuartos en las recreativas o los ojos delante de un viejo televisor. Eso sí, no es un juego para todo el mundo, ya que su dificultad y estética pueden no ser bienvenidas por la mayoría.

Metroid Samus Returns es un golpe en la mesa, una lección que muestra por qué esta saga encabeza un género tan emblemático como el Metroidvania. Llegó sin hacer ruido, agazapado entre la sublime maleza que poblaba el Nintendo Spotlight del E3 2017. Por fin, cañón en mano y armadura enfudada, Samus ha vuelto.

RiME va del descubrimiento, de un sencillo y hermoso viaje en el que, además de entretenernos mientras resolvemos sus obstáculos, nos haga pensar en algo más. Sobre todo con su emotivo final: un impactante mensaje que conmoverá a muchos. Algo que pocos juegos son capaces de lograr hoy día.

The Sexy Brutale no estará en las quinielas de Mejor Juego del Año, pero no por injusticia o porque no lo merezca, sino porque es un título que pasará algo desapercibido. De haber presentado algo más de dificultad en el tramo final, estaríamos ante un juego mucho mejor.

Baboon! es un título fresco y divertido. Entretiene a un amplio abanico de público, ya que combina unas mecánicas sencillas con una curva de aprendizaje bien definida y una profundidad jugable verdaderamente retante. No inventa nada nuevo, pero todo lo que pone en práctica lo hace con solvencia. A veces puede ser desquiciante, pero que ello constituya un problema depende del perfil de cada usuario. Muy rejugable y duradero para quien quiera completarlo del todo, garantiza diversión a quien le dé una oportunidad. A ver quién le dice que no a Tumbili.

Si conseguimos superar las barreras, armarnos de paciencia y obviar los problemas técnicos nos encontraremos con una historia que nos atrapará hasta el final. La vida de John Yesterday está plagada de enigmas y misterios. Su pasado es una incógnita más oscura de lo que el propio John se imagina y sus enemigos harán todo lo necesario para conseguir el secreto de su inmortalidad. Todo ello envuelto en el humor negro y ácido característico de Pendulo Studios.

Aunque la duración siempre fue su talón de Aquiles, la cantidad de secretos por encontrar en forma de coleccionables repartidos por todo el mundo del juego y la posibilidad de volver a jugar escenas sueltas para buscarlos aportan cierto componente de rejugabilidad, algo que siempre agradecemos los que tenemos obsesión por recolectar el 100% de objetos en cada juego. El viaje de Randall Wayne puede tomarnos en torno a cinco horas durante la primera partida, una cifra que puede verse muy rebajada una vez comprendemos sus mecánicas y nos acostumbramos a superar sus obstáculos. Por todo lo demás, Deadlight Director’s Cut demuestra que el paso de los años no ha afectado en absoluto al juego original. Un juego fresco, adictivo, con una carga narrativa bastante pronunciada y un diseño artístico que conforman, como dije al inicio de este texto, una pequeña gran obra.

He de confesar que no esperaba demasiado del juego y finalmente he quedado más que satisfecho. No sabía nada de la serie Anima Beyond Fantasy, hace apenas un par de semanas ni siquiera conocía el juego pero, tras interesarme por él tras ver algunas imágenes decidí informarme un poco y cuando vi un par de vídeos me llamó la atención que apenas tres personas han dado forma a algo así. Anima Gate of Memories es un RPG que se hace muy ameno, no requiere largas sesiones de juego para seguir el hilo de su historia y, lo más importante, el juego funciona realmente bien. Los combates son muy fluidos y el juego es muy sólido técnicamente. Su variedad de mecánicas le siente muy bien y estoy seguro de que cualquier amante del género está obligado, como mínimo, a probarlo. Tras mi experiencia con el título de Anima Project Studio me gustaría reivindicar un par de cosas. Lo primero es que el tamaño no importa si el trabajo es bueno, y lo segundo es que en España también saben hacer buenos juegos de rol.

En conclusión, una historia muy simpática, con una jugabilidad muy consistente y con una ambientación particular que hará las delicias de los amantes de los ochenta. Y si no me creéis, solamente tenéis que ver el video introductorio; os transportará a una época donde, como todos sabemos, la vida era mejor y más simple. Y seguramente os haga comprar el juego.