DeVuego PR_ES | PRensa ESpañola de Videojuegos

En un contexto lúdico marcado por la inmediatez y el consumo conspicuo, Blasphemous reclama una experiencia pausada, meditada y metódica. Lejos del pastiche y la ironía, el título sevillano demanda seriedad y reposo. Si Marx parafraseaba a Hegel en su recurrencia de la historia que el siglo XXI, en su confusión y falta aparente de horizonte claro, enlaza con el convulso XVII; necesariamente Blasphemous no es sino la resurgencia de una forma artística que obliga a la introspección, incluso a pesar del dolor que esta produzca. 

Quizás el principal problema de Koral sea precisamente su sencillez y falta de ambiciones. Llega a emocionar, aunque sin trascender. Entendemos la importancia de su mensaje, pero sin llegar a comprenderlo. Junto a la publicación del juego, Carlos Coronado nos obsequia con un making off del título, una pieza de obligado visionado para cualquier aficionado del mundillo. Dicho vídeo llega a transmitir más que el propio Koral, de forma que echamos en falta comprender mejor las motivaciones e intenciones de Coronado a los mandos de nuestra consola.

Solo abriéndonos a secretos de Infernium podremos progresar por este laberinto en el que las mismas paredes hablan. Parpadeo a parpadeo vamos desenredando la madeja de sus enigmas, cada vez más hábiles, más sabios, atando nuestros propios cabos en dirección a una revelación final que terminará por atar toda la experiencia. Entre sus momentos de calma plácida y los instantes de tensión angustiante, Coronado trae un título que, pese a que puede llegar a agobiar en los momentos iniciales, dejará una huella imborrable en quien lo acabe.

A The Red Strings Club, por el contrario, dudo que vuelva. A pesar de ser un título muy rejugable, hacerlo implica, literalmente, olvidar, servirte una copa de amnesia a ti mismo. No estoy dispuesto a hacerlo. Su experiencia, sin darme cuenta, era a mí a quien definía, y este es un recuerdo que merece la pena conservar intacto.

El primer trabajo en solitario de Emilio José Joyera, que ha corrido con toda la labor de programación, diseño y guión de SSOTW, junto con la más que correcta banda sonora de Carlos Viola (con varios temas nada repetitivos que se ajustan perfectamente a lo que uno espera en el género puzle y la temática de ciencia ficción), tiene varias virtudes difíciles de encontrar en una obra independiente y primeriza. Entre ellas, la innovación dentro de un género tan complicado y trillado como el de los rompecabezas; y la coherencia como videojuego (en cuanto al arte y entretenimiento que propone) y como producto (a quién va dirigido). Incluso con un potencial latente que se debería tener en cuenta para el futuro: la posibilidad de jugar a Six Sides of the World en una pantalla táctil, quizá la plataforma ideal para movernos por los seis lados de esta odisea espacial en forma de cubo.

Al final, Calendula es un buen primer intento, una digna ópera prima que ha intentado arriesgarse y transitar por los bordes de la habitual zona de confort de los estudios, con una empresa muy difícil de sacar adelante, con errores, pero también aciertos. Me pregunto qué hubiese sido de él si esta propuesta llegase en el segundo intento, con la ruptura de la cuarta pared agazapada y acechando al primer incauto que probase Calendula.

Mechanika tiene lo bueno y lo malo de la mayoría de óperas prima: la audacia y la inexperiencia. El título de Mango Protocol no tiene miedo a innovar o arriesgarse en algunos aspectos, cualidad que le confiere a MechaNika esa frescura en su propuesta narrativa, en su estilo artístico personal y diferenciado, y en su amor por una idea. El trabajo de Mariona Valls y Javier Gálvez (en el diseño y la programación) es especialmente afectuoso, nace de las ganas de trasladar unas ilustraciones al formato videojuego para que cobren vida en manos del jugador. Una labor artesana que, pese a la falta de recursos, se resuelve con un producto consistente, divertido y recomendable, y que solo quizá por ser el primer juego (de todos los que vendrán), todavía queda camino por recorrer.

Mi mayor recompensa tras haber leído este libro ha sido reconocer que, incluso ante unas premisas sobre las que mantengo diferencias fundamentales de opinión, he podido hallar nuevas maneras de aproximarme a estos juegos que me ayudarán a establecer mejor mi relación hacia ellos. Cuanto menos, me ayudarán a entender por qué me provocan tanta apatía.

En lo demás, es un libro escrito con claridad, concisión y detalle, impecablemente maquetado, y que el fan más acérrimo encontrará fácil de leer, pero poco cautivador. Ha sido escrito, eso sí, por alguien que entiende y siente un profundo respeto por la obra de Nintendo. En su epílogo, Fernández alcanza a resumir la esencia de la saga precisamente gracias a la presentación del E3 2002: «En ese año, el anuncio de The Wind Waker decía lo siguiente: “Every game has a story. Only one is a legend”. Porque cada entrega es, en realidad, una nueva expresión de algo “único”. El mismo anuncio lo decía: “The legend is reborn”. La leyenda renace. Y eso es lo que la ha hecho perdurar. Cada nueva entrega vuelve con una manera propia de entender los videojuegos, pero sobre todo como una forma de reinventarse. Y de paso, reinventar la industria».

No obstante, el libro de José Altozano sigue siendo una lectura recomendable. No deja de ser un ensayo bien argumentado y entretenido que repasa los elementos y las estructuras fundamentales de los videojuegos, y lo hace de una manera directa y sincera hacia el lector. El videojuego a través de David Cage es una obra que apreciarán también los fans de Dayo, al que reconocerán por la síntesis en sus razonamientos y por sus chascarrillos, que aligeran el alegato, pero también esclarecen los temas. En realidad, bien podría haber sido un Los videojuegos a través de Dayo, un libro que, por encima de todo, intenta contar algo relevante sobre el medio sin caer en las reflexiones trilladas de siempre.

El libro es una obra recomendable para los fans de la saga, aspecto casi indispensable para apreciar todas las valoraciones y teorías que se despliegan. Sin embargo, como podría suceder en este tipo de obras, Portal o la ciencia del videojuego no se queda en el tributo, ni regala más elogios de los debidos, tan solo propone revisitar las cámaras de Aperture, pero esta vez con una exquisita y generosa guía que nos enseña lo divino y lo humano, lo filosófico y lo científico de una de las franquicias más importantes en la historia de los videojuegos.

Videojuegos y mundos de ficción, con su coletilla y todo, nos ayuda a enfocar de nuevo la cuestión narrativa en la estructura de los juegos. También nos recuerda que el factor lúdico y la interactividad son determinantes, y nos advierte de que esos títulos que nos hacen soñar despiertos a lo mejor no tratan de crear una historia concreta, sino todo un mundo.

Su lectura, entonces, nos reencuentra con dos videojuegos cruciales en la historia de los RPG, pero a la vez se atreve a ir mucho más allá de una investigación. Creo que esta obra nos ayuda también a recordar qué personas éramos entonces, cuando acabábamos de conocer estos títulos, y a comprender hasta qué punto aún seguimos compartiendo esperanzas, derrotas y alegrías con aquellos niños o adolescentes que las vivían con un joystick en la mano, parafraseando la hermosa dedicatoria. Es decir, he llegado a sentir Más allá del tiempo como una suerte de Epoch o amuleto astral que me ha permitido viajar indistintamente hacia la persona que fui entonces y la que soy ahora. ¿Qué más se le podría pedir a un libro dedicado a una serie como ésta?