DeVuego PR_ES | PRensa ESpañola de Videojuegos

Neon Blood es un estreno del que sus responsables pueden estar bien orgullosos. No es perfecto, claro, y exige en cierta forma empatizar con los “debes” que tiene el producto, pero si os gustan las aventuras de detectives aquí vais a encontrar una buena historia de ese estilo y personajes con carisma y personalidad. Os va a dar un par de buenas tardes y, al fin y al cabo, los videojuegos son para eso.

Con todo y con eso, hay que remarcar que las particularidades de Neva hacen que sea un producto para paladares muy específicos. Hay más acción, sí, pero sigue siendo una propuesta bastante contemplativa, que se regodea porque se sabe como algo precioso, rozando en ocasiones una prepotencia honesta, al anteponer secuencias de varios segundos en los que la perspectiva se recrea en su impacto visual, priorizando planos amplios y grandilocuentes para que admiremos su belleza, entorpeciendo por momentos la navegación por el escenario. Su estilo abstracto también puede dejar preguntas de difusa respuesta; Neva, y la obra de Nomada Studio en general, juega a eso, como decimos, con su belleza abstracta y cruda por momentos, a que las interpretaciones personales sean la base de la conversación. Si me preguntáis a mí, todo esto hace que sea un juego que voy a llevar guardado en el corazón y del que me acordaré durante años. Y al que recurriré, porque me ha invitado a reflexionar sobre aspectos de mi vida que tal vez no estoy haciendo del todo bien. En realidad, diría que esa es su mayor virtud.

Ereban: Shadows of Legacy es un estreno en el que se aprecia una sorprendente madurez. Uno que no renuncia a la ambición, sino que la mide al milímetro, y así consigue que no haya nada que se le pueda reprochar. Una inversión de futuro que, a buen seguro, les brindará más recursos para que pronto puedan ir a más.

Con todo esto, creo que no es aventurarme mucho decir que, si os gustó el primer Blasphemous, este Blasphemous 2, como versión más limpia, más pulida y ampliada de él, os encandilará desde el primer momento.

The Cosmic Wheel Sisterhood es una fotografía de las obsesiones actuales de Deconstructeam, que a día de hoy posee uno de los imaginarios más ricos del sector. La fusión de unas sensibilidades tan particulares da lugar a una voz propia que pone aquí su atención en el destino, las decisiones y las consecuencias. Une personajes memorables, mecánicas únicas y un apartado artístico inimitable para dejar un suave poso que seguiremos paladeando días después.

Do Not Feed the Monkeys 2099 es una secuela ambiciosa que explota las fortalezas del título anterior y les añade mayor complejidad narrativa.

Con un diseño de niveles más que correcto y un apartado artístico incontestable, su jugabilidad combina inmediatez, agilidad y elementos originales para ofrecer unos combates rápidos, contundentes y repletos de magia. Y aunque, en ocasiones, tantos relámpagos, bolas de fuego y enemigos en pantalla pueden llegar a crear situaciones repletas de caos, tortazos y confusión, lo cierto es que alternar entre el robo de hechizos, los nuestros propios y el cadenazo limpio se muestra como una fórmula ganadora. No todos los aspectos de The Mageseeker se conducen con tanta seguridad - ahí está la gestión de nuestros aliados para demostrarlo -, pero cuando recorremos sus niveles todo eso queda atrás y las aventuras de Sylas y sus desencuentros con, por ejemplo, Garen - efectivamente, “El Peonzas” - demuestran que este título cumple, con creces, la función de ampliar el universo de League Of Legends mientras ofrece una puerta de entrada a nuevos jugadores.

Todo eso hace que Endling sea un juego que, como su zorra en determinados momentos, se quede un poco cojo. Es narrativamente interesante, artísticamente es una delicia y mecánicamente está resuelto de forma excelente, pero su guion pierde el norte en su tramo final, su diseño no siempre es elegante y su narrativa no termina de encontrar pie a la hora de contar lo que quiere transmitir. Nada de eso lo hace un mal juego y, desde luego, no es un anuncio de la DGT. Pero sí es un juego al que le falta una vuelta de tuerca narrativa y mecánica para ser tan rotundamente sobresaliente como promete su primera hora de juego.

En última instancia, Souldiers es un juego cuyas primeras impresiones son inmejorables, pero que pierde fuelle conforme profundizamos en su desarrollo. Sus ideas y su apartado artístico son encomiables, pero el atolondrado diseño del que hace gala en algunas ocasiones consigue que tropiece más de una vez. Hay mucho y muy bueno a reivindicar en un título que recoge los aspectos más contundentes del género soulslike y los incorpora a ese género de cabecera indie como es el metroidvania. No obstante, para llegar a ellos hay que escalar muros de frustración considerablemente altos que puede que intriguen a los aventureros más aguerridos, mientras que aquellos que busquen una experiencia más equilibrada puede que encuentren su juego ideal en alguno de los otros doce - o trece, o veinte mil - metroidvanias que se publican cada año.

No obstante, Ikai es un título que alberga momentos tensos, importantes sustos y mucha pasión por el género. Con una ambientación y una atmósfera superlativas y un apartado sonoro admirable, Ikai es un survival horror que apunta buenas maneras, aunque no acabe de acertar del todo el tiro en algunos de sus ámbitos. Así, es complicado que apele al gran público, pero los seguidores irredentos del género puede que encuentren en él alicientes suficientes para darle una oportunidad... a diferencia de los yokais que se encuentra Naoko, que no le dan tregua.

Y por eso no seré yo quien las revele, pero recordad que el juego lleva un cinco a la espalda por algo. Que es un capítulo más de la historia, que continúa las cosas donde las dejamos y que tiene la suficiente entidad como para responder preguntas de hace casi dos décadas, aunque en este sentido cabe un pequeño tirón de orejas: a nivel jugable el ritmo de Metroid Dread es impecable, pero interrumpir la progresión del juego más o menos a las seis horas para descargar sobre el jugador uno de los infodumps más poco sutiles que se recuerdan no es exactamente una solución elegante. Tampoco es un pecado especialmente grave, porque lo que se cuenta interesa y porque a partir de entonces el argumento coge cierta velocidad, aunque sin perder de vista que aquí el lore solo es un extra: que Metroid es su historia, sí, pero sobre todo es agilidad, reflejos, desafío, descubrimiento y puertas que se niegan a abrirse. Que es la emoción de descubrir un salto mejorado o un nuevo tipo de traje y ver como las posibilidades del mapa explotan, y también devanarse los sesos buscando una salida hasta que llega ese momento en el que nos sentimos genios. Metroid Dread, Metroid 5, el Metroid de Mercury Steam, hace todo esto mejor que nadie, aunque el peso de su propia historia puede hacer complicado dar con una valoración final. Quizá, como con frecuencia le sucede a la propia Samus, para encontrarla tengamos que volver sobre nuestros pasos.

The Longest Road on Earth dura apenas un par de horas, pero le da tiempo de sobra para calar hondo y poner ideas interesantes sobre la mesa. En mi caso no he terminado de conectar con él tanto como esperaba, pero ha sido una experiencia relajada y emotiva que me ha dado para pensar en temas como la universalidad de ciertos códigos. Mi consejo: si te interesa lo que lees sobre él, coge una taza de café o hazte una infusión y déjate un rato libre para jugarlo y pensar en él al terminar.

Pero estas tiranteces no empañan el impecable ejercicio de estilo que es Narita Boy. Imponente en lo artístico y mucho más que solvente en lo jugable, Narita Boy es un título que va mucho, muchísimo, más allá de las referencias culturales que plagan su universo para ofrecer una experiencia que apelará a cualquier tipo de jugador. Su estructura ofrece un cuidado equilibrio entre exploración, combate y narrativa que remonta sus orígenes al metroidvania pero demostrando, al mismo tiempo, un punto de contención que amplifica el detalle puesto en su diseño. Así, Narita Boy es una sucesión constante de escenas, salas y situaciones engarzadas con precisión que nunca se detiene, nunca flaquea y nunca muestra altibajos en su calidad. Una fantástica aventura pixelada llena de misticismo, narrativa e informática en la que no cabe preguntarse de dónde surge el poder del Tricroma o cómo es posible transportarse a una dimensión digital. Es ficción, disfrutémosla tal y como viene. Por los ciclos de los ciclos, Enter.

Call of the Sea es una grata sorpresa: una historia que por sus referentes podría haber sido un relato trillado de terror se transforma casi de inmediato en una imaginativa historia de amor en la que fantasía y misterio se abren paso para inundarlo todo, desde la intrigante narrativa hasta unos puzles que ayudan a darle una personalidad única al mágico lugar donde transcurre la historia. No termina de afinar algunos aspectos, como la variedad de las pruebas, pero es fácil perdonarlo porque sabe poner al frente sus virtudes para dejar un buen recuerdo.

Al final, si hay que sacarle alguna pega al juego es, quizás, que sus ambiciones artísticas y narrativas parecen demasiado grandes para lo que, al final, dan de sí sus mecánicas. No es que no haya suficiente historia que contar, ni que el mundo no sea lo suficientemente amplio ni interesante de explorar, sino que el número de cosas que se pueden hacer es limitado, y muchas veces entramos en la inercia de ir de aquí para allá sin fijarnos demasiado, de repetir el mismo tipo de tareas una y otra vez. Cuesta pensar que todo esto será digerible por quienes no vengan ya enamorados del género, o del estudio, desde el primer minuto de juego. Y eso, sumado a un par de imprecisiones de diseño, nos deja un sabor de boca más amargo de lo que nos gustaría; pero, con todo, los días pasados en Mara han sido un muy buen verano.

1971: Project Helios nos presenta un universo y unos personajes con los que es fácil implicarse, pero su aproximación al combate tipo XCOM es sencilla de más y el juego se vuelve repetitivo más rápido de la cuenta. Si rebuscamos entre los combates demasiado fáciles y los que nos obligan a repetir el primer turno varias veces podemos encontrar sistemas interesantes y bien implementados, como el uso que hace de las builds y habilidades de personaje, pero hay que mirar a otro lado en todo momento para disfrutarlo por completo y perdonarle la mala experiencia a nivel técnico.

Frustrante en ciertos momentos y satisfactorio en otros tantos, colecciona muchos aciertos pero adolece de ciertos fallos de diseño y una dificultad demasiado acusada que lo alejan de ser un título recomendable para todos los públicos. No obstante, aquellos que estén dispuestos a dejar a un lado sus aristas se encontrarán con un juego 2D mecánicamente sólido, con unos niveles duros como una roca y unos jefes finales que pondrán a prueba su determinación.

Blacksad: Under the Skin hace un buen trabajo como spin-off o añadido de los tebeos, pero en ningún caso los sustituye. Será una buena elección a los más fans, por estar plagado de referencias cuidadas y bien colocadas, o quizás un introductorio más que razonable a su universo. Pero teniendo en cuenta que casi todos sus fallos se encuentran puramente en el apartado interactivo, no nos extrañaría que la inmensa mayoría siguiese prefiriendo el cómic.

Si nos ponemos quisquillosos podríamos sacar alguna pega más, como el hecho de que el sistema de progreso mediante objetos y mejoras de nuestro rosario - el elemento de nuestro inventario que nos permite aumentar la vida o defensa o resistencia mágica de nuestro personaje conforme vamos avanzando - no tiene un efecto tan sustancial sobre el gameplay como parece a priori. Pero al final, serían minucias. Más allá de eso, creo que podemos tomarle el pulso a la validez de un metroidvania - o un género derivado - por la cantidad de veces que nos hace sonreír: esas ocasiones en las que nos pilla desprevenidos cuando encontramos un atajo que lleva a un lugar que nos esperábamos, o conseguimos superar un obstáculo que en otro momento nos parecía imposible. De estos instantes Blasphemous tiene decenas, si no cientos; y es eso lo que hace que, al final, sólo queramos más, todo el rato, hasta que hayamos explorado todos y cada uno de sus rincones.

El paso de Brian Pasternack por Sintracorp es una pesadilla a la que solo podemos sobrevivir superando con sigilo, ingenio y cierto tesón. Los elementos sobrenaturales de Yuppie Psycho provocan miedo, pero el auténtico terror está en su crudo retrato de un sistema diseñado para destrozar al trabajador física y emocionalmente. Aunque en ciertos pasajes esta idea deja de ser la central de la trama, tiene la suficiente fuerza como para que pensar en su argumento y sus ramificaciones en la vida real me sigan dejando mal cuerpo semanas después de haberlo completado.

Es una lástima, porque prácticamente todos los elementos que componen el juego están bien medidos para equilibrar el estrés y la urgencia y la intriga por las historias que se cuentan y por la narrativa más grande y más compleja que intuimos que sucede de fondo, y esta última no acaba de cumplir expectativas cuando llega, como si hubiese sido atada a última hora o a medio gas. No termina por estropear del todo la experiencia, que sí es muy notable; pero es inevitable no quedarnos con un sabor de boca muy amargo.

Fresco, divertido y cálido, Moonlighter sería una experiencia notable si no estuviese levemente truncada por errores técnicos.

Entiendo que sólo ha funcionado así en mí porque las mías son unas circunstancias concretas; que a personas con modelos relacionales más complejos, más alejados de las relaciones de pareja convencionales, les costará más identificarse a sí mismos en este reflejo. Pero yo, y ahora que han pasado unos días y he mantenido el recuerdo de Solo muy cerca, no puedo sino agradecerle que me haya ayudado a conocerme un poquito mejor, a reevaluar determinadas situaciones, a perdonarme por algunos fallos, y en cierta manera - y es lo que pretende, creo - a querer mejor y con más fuerza. Un propósito muy digno, casi utópico, para un juego tan modesto: quizás precisamente por eso es difícil no sorprenderse de la elegancia con la que consigue llegar a la meta.

No sería justo cerrar este análisis sin hacer una mención especial al apartado artístico y de sonido, que hace un trabajo excelente en caracterizar a los personajes y otorgarles el más que necesario carisma para hacernos querer competir por su corazón en cada partida. Y hay que reconocerle ciertos méritos: no es tarea baladí combinar tantos elementos diferentes en un mismo título y lograr conseguir una experiencia entretenida y bastante pulida en la mayoría de aspectos. No obstante, en el fondo la sensación que queda es la de que quiere abarcar más de lo que debería, y por ello termina por no resultar extraordinario en ningún área en concreto. Aun así, es un juego muy simpático con un espíritu bastante fresco y desenfadado que calará bien entre el público concreto al que quiere apelar.

Siempre es especialmente difícil hablar de un proyecto con tan buenas intenciones y, por desgracia, tan pocas ideas. Immortal Redneck no es, en absoluto, un mal juego, pero sus ganas de agradar no se corresponden con un resultado al que le falta algo de variedad, empaque y tamaño para destacar entre los pesos pesados de su categoría. Quizás no fuera eso lo que pretendía y sus intenciones pasaran tan solo por entregar un juego eficiente y desgarbado, exento de complicaciones; pero eso es lo que ha terminado por limitarle dentro de un género en el que cosas como esa son, justamente, las que lo alimentan.

Fourattic ha sido capaz de sacar adelante un proyecto que ha tardado casi tres años en ver la luz del sol, pero la continua reverencia hacia otras obras, mecánicas y estilos ha hecho que acabe descuidando el propio y cometiendo errores de principiante. Un juego correcto, diluido en un mar de nombres que hace que el único que no destaque sea, precisamente, el suyo.

The Red Strings Club se infiltra en tu cabeza como si de uno de los hackers neuronales del juego se tratase. Su ambientación cyberpunk sirve como punto de partida para lanzarnos a la cara dudas existenciales y preguntas sobre la condición humana. Ese tipo de preguntas que probablemente no tienen respuesta. Al menos no una respuesta sencilla, unívoca y universal.

A pesar de todo, me gustaría terminar con una nota positiva: como hemos dicho unos pocos párrafos más arriba y como decía el propio director del juego, Raiders hoy es de una manera y dentro de unos meses será de otra. Tienen la intención de escuchar a todos aquellos que sigan ahí, y del mismo modo que hay cosas que poco o nada van a cambiar, hay un margen de mejora considerable. Raiders es muy arriesgado y, a su manera, rompedor, pero necesita conocerse un poco más a si mismo. Se conoce muy bien por fuera, pero por dentro todavía no, porque está creciendo. Igual de difícil fue dar vida a un proyecto así como me resulta a mi hoy escribir sobre él, y eso ya es una manera de sacarnos de nuestra zona de confort, algo muy presente en el juego y claramente intencionado. El niño hoy se les va a la universidad; veremos como es cuando vuelva. Lo veremos en unos meses.

Conga Master Party, en definitiva, no es el juego con más contenido del mundo, pero sí es un buen candidato a ser nuestro multijugador de cabecera para unas partidas con nuestros colegas, en casa o fuera de ella. Y durante todo el tiempo que he estado escribiendo este análisis, he estado tarareando, sin darme cuenta, la canción principal de uno de los niveles. Cuando hablamos de un título de ritmo y de bailar, eso debería decirlo prácticamente todo.

Samus Returns resuelve con soltura el remake de una de las entregas más olvidadas de Metroid, y también de las más criticadas.

Cuesta poner estos pensamientos en orden y en papel, en texto, en bit, como quiera que sea. Ni siquiera The Last Guardian me ha causado tantos quebraderos de cabeza y aún sigo pensando en si hice lo correcto al analizarlo. RiME recuerda al protagonista homónimo de A Propósito de Llewyn Davis: tiene talento y corazón y quiere contar su historia, pero en un mundo saturado por artistas intentando que su voz se oiga, algunos con más éxito que otros, destacar es difícil. Es bueno, pero no un genio. También es posible que yo sea el único necio que intente nadar a contracorriente por hacerme el chulo; mientras escribo estas palabras, el juego aún no ha salido y todo lo que oigo de él son bondades. Las emociones nos calan a cada uno a su ritmo y manera. Quizá ese sea mi error, no verlo. Pero los gritos de ese niño todavía no me alcanzan.

The Sexy Brutale es tan valiente como para atreverse a contar y representar estados e ideas complejas, novedosas e interesantes a través de las mecánicas de juego. Es tan valiente como para que su historia se desarrolle igual que la resolución de un caso, descubriendo que es lo que ocurrió de verdad, juntando las piezas del puzzle y dandole una coherencia sublime al conjunto, haciendo del juego un único caso real. A través de unos inusuales personajes cuya personalidad, inquietudes y preocupaciones resultan en el verdadero puzzle, y una extraordinaria mansión llena de referencias artísticas (Goya, Friedich, Kafka, Da Vinci, etc.), el relato va siendo cada vez más tétrico, oscuro y cruel, pero sobretodo, misterioso y sorprendente. Uno en el que nada es lo que parece, una auténtica fiesta de máscaras.

Lo mejor de Rise & Shine es, en cualquier caso, comprobar que cada día aparecen más obras de talento desarrolladas en España. Pese a que le hemos dirigido unos cuántos improperios mientras lo jugábamos debido a sus, en ocasiones, deshonestas intenciones, no nos importaría lo más mínimo repetir muchos ratos tan divertidos al lado de títulos así.

Aragami tiene buenas intenciones, pero la ejecución le aleja de los grandes del género. Los problemas técnicos lastran un título cuya aproximación al sigilo es muy divertida y espectacular, pero no consigue un sistema de puntuación realmente estimulante más allá de los sellos. Unas sombras que no ocultan sus virtudes en materia de gameplay, que probablemente sea la imagen que se nos quede de él tras jugarlo.

Pero no es para todo el mundo. Ni siquiera tengo claro si es para mí, pero su calidad es incuestionable. Se resiste a darse por vencido pero sabe aceptar la derrota frente a nosotros. A decir verdad, casi parece alegrarse. Quiere mostrárnoslo todo y que lo disfrutemos, pero tendremos que matarnos por conseguirlo. En los viejos tiempos las cosas se hacían de otra manera. Hace unas semanas llegó Stranger Things a Netflix. Una serie bien, no excepcional pero entretenida, y siendo un verano lento como suelen ser los veranos, pues todos la vimos y la gente la adoró. Diría que Bot Vice es el equivalente, pero esta obra se esfuerza mucho más por inventar y dejar claro su estilo propio. Hay tributos, pero no entorpecen el discurso. Los ochenta siguen vivos y con gancho, incluso treinta años después.

El Conde Lucanor es una japonesada hecha por un equipo de españoles y franceses. Tiene sentido del humor, pero no llega a ser cómico y, sin venderse como terror psicológico, es capaz de perturbar y ofrecer imágenes pesadillescas. Su sencillez no eclipsa su progreso, y al final de la historia uno no sabe qué conclusiones sacar, si esto ha sido real, si es una historia sobre un niño consiguiendo sus sueños, si qué. Aún así, el título sigue resultando extraño, un uso de la cultura española porque sí, titular porque queda bien sin pensar en qué significa. Según su creador, esto es intencional, una referencia que puede sonar exótica y, desde luego, "the count Lucanor" da más resultados sobre el videojuego que la novela en Google. Una época curiosa la nuestra. Qué medio el videojuego.

Porque si Calendula tiene un problema, es que no ha sabido ser lo suficientemente ambicioso. No ha sabido llevarme, seducirme, hacer que me pregunte qué vendrá a continuación y ansiar la respuesta. Curiosamente, igual que el juego se estanca en su pantalla de inicio y nunca comienza, sus creadores no ven más allá de sus límites y simplemente piensan en qué nueva barrera nos detendrá esta vez. "Qué puzle puede haber"; esa es la mentalidad que parece guiar su diseño en lugar de "qué historia queremos contar" o "qué queremos hacer sentir al jugador". Ese es el problema de Calendula.

El caso es que con Kromaia me he divertido, he apretado los dientes, me he mosqueado y he estado muy tentado de tirar el mando por la ventana. He visto cosas que me han gustado mucho y otras que quizás no tanto, pero al final me he encontrado con un juego de naves que, con libertad de movimientos, un buen diseño de niveles y un control fino y preciso, ha logrado que vuelva a él hasta que he conseguido dominarlo por completo. Por tanto, en mi libro de jugadas, es la viva definición de un juego recomendable.

En cualquier caso, ni la versión que probamos hace un mes era muy diferente a esta versión final, ni mi valoración de por aquel entonces ha sufrido muchos cambios. Dead Synchronicity: Tomorrow Comes Today es un juego pequeño que se cree grande, y hace bien en creérselo: su historia es buena, sus intenciones son loables, es consecuente con sus propias decisiones y no muestra grandes fallos. Que su propuesta no destaque en un mar de AAAs de género y juegos indie mucho más arriesgados lo aleja un poco de la excelencia, pero pocos estudios pueden presumir de tantos pasos pequeños pero firmes en su primera incursión. Quizás no llegue para revitalizar el género, pero aquellos que disfrutaron con las aventuras gráficas de antaño tienen más de un buen motivo para darle una oportunidad.

Randal's Monday es una aventura gráfica imprescindible para los amantes del género, sobre todo para aquellos con la mirada aún puesta en los noventa. Tanto si sois fans como si es vuestro primer juego de este estilo, debería ser un título a tener muy en cuenta en caso de duda, ya que el ofrece muchas horas de diversión a un precio muy atractivo (redondeando, 20€ de salida frente a unas 20 horas de duración aproximada, dependiendo de vuestra habilidad y de lo que abuséis del sistema de pistas).

Mind: Path to Talamus no termina de afinar la puntería con parte de su mensaje, pero tiene mucho más que ofrecer. Escenarios para el recuerdo, mecánicas muy bien planteadas, o puzles inteligentes con una curva de dificultad casi perfecta. Lanzar el primer juego casi en solitario es meritorio, pero aún más es lanzar una obra de este calibre.

Después de decir todo esto parece como muy evidente señalar el hecho de que además de ser entretenido y retante el debut por todo lo alto de Deconstructeam es, y esto hay que celebrarlo, una de las experiencias más originales que han surgido del mundo indie, el lugar propicio para esta clase de propuestas, en los últimos tiempos. El único problema es que todas estas matemáticas, de manera intencionada o no, acaban también por obstaculizar al propio juego y los jugadores, que pueden verse frustrados por su abrupta curva de dificultad o por no encontrar en su sobriedad una motivación para continuar. Gods Will Be Watching es un buen juego en lo suyo; simplemente lo suyo no es para todo el mundo. Exigirnos el ver solo los números que componen cada acción puede ser sencillo para un dios que observa, pero al final no dejamos de ser meros -e imperfectos- humanos.

La primera mitad de The Last Door supone un inicio francamente prometedor, al que quizás le falta algo de tiempo para conseguir dar más fuerza a las historias que quiere contar. The Last Door es una aventura gráfica que, si bien presenta los fallos habituales del género, también sabe explotar su narrativa y cuida hasta el extremo el apartado sonoro para transportarnos al tétrico ambiente que nos invita a explorar.

The Last Door termina su primera temporada más seguro del camino que quiere tomar, con un estilo cada vez más definido y conociendo mejor sus aciertos y sus errores. Todavía tiene margen de mejora, pero también mucha historia que contar antes de dar por cerrada la historia de Devitt.

Cualquier jugador que quiera revivir -nunca mejor dicho- cómo eran esos juegos en los que morir era un mal trago, y así sobrevivir servía para evitar volver a empezar, se llevará una buena sorpresa. Tenemos entre manos un más que entretenido juego, con un sistema muy sólido y con una buena cantidad de horas para dedicarle y aprender a satisfacer a los loas. Tenemos Full Mojo Rampage para rato.

Aunque Lords of Shadow 2 se sustente sobre unas bases que cada día parecen más anticuadas, no deja de ser un juego que ofrece una gran cantidad de contenido, un sistema de combates sólido y unos muy notables valores de producción, y aún hoy, a pesar de que el mundo del videojuego no deje de evolucionar hacia lugares nuevos, estos valores más tradicionales siguen siendo importantes.

Como ya pasó con la primera entrega de esta trilogía, Mirror of Fate vuelve a ser un título que destaca por su gran cantidad de contenido, pero también por una serie de mecánicas bien diseñadas, empezando por su gran sistema de combates. El resultado es un título de acción largo, muy completo, y en el que se nota la ambición y el cariño por esta saga clásica. Nos decía Enric Álvarez que "el día que Mercury Steam perdiera su identidad dejarían de trabajar para la industria". Podríamos decir que en esta identidad propia que menciona el director del juego (junto a José Luis Márquez) se encuentra la clave de ese equilibrio tan bien conseguido entre la herencia de una saga veterana como Castlevania y la propia personalidad del estudio que ha resucitado al vampire killer.

En conclusión, Supermagical es un juego que no inventa nada nuevo pero aporta lo suficiente para ser interesante, se respeta a si mismo y, lo mas importante, respeta al jugador a pesar de su modelo de negocio. Y eso, hoy en día, es difícil de encontrar.

Pero pese a su corta duración Deadlight es una experiencia bastante recomendable. No es que sea precisamente un renovador soplo de aire fresco, pero sí un sólido videojuego que recupera mecánicas clásicas con acierto y las envuelve con un fantástico componente audiovisual y una historia atractiva. Su brevedad y algunos defectos lastran el resultado global, pero aún así es probablemente lo mejor que nos va a dar esta temporada del Summer of Arcade de Microsoft.

En definitiva, las luces y sombras de New York Crimes son el vivo reflejo de la situación que viven hoy en día aquellos estudios de desarrollo cuyas obras están a medio camino de la tan en boga producción indie y los multimillonarios triple-A. Como aquel loco funambulista que a mediados de los setenta le dio por darse un paseo suspendido a 500 metros de altura entre las dos Torres Gemelas de Nueva York, Pendulo y otros muchos estudios en su misma situación, intentan sobrevivir al contexto actual de esta industria como buenamente pueden. A veces, caen al vacío y lamentablemente hemos de redactar una noticia comentando el fin de un estudio, pero en otras pasan al otro lado sanos y salvos. Afortunadamente este es el caso de New York Crimes, un título que compensa ciertas carencias técnicas con una buena historia, pero que sobre todo logra sustituir su falta de recursos con libertad creativa. Queremos más juegos de esta Pendulo mayor de edad.

Será importante ver cómo reacciona la comunidad, comprobar si los jugadores se animan a crear personajes desquiciantes y ver si hay buen movimiento en los modos online. Lo que está claro es que desde Novarama han apostado por llevar al género de la lucha un buen puñado de ideas frescas. Con su humor excéntrico y su curiosa inventiva a la hora de mostrar algunas de las funciones de esta nueva PS Vita, Reality Fighters consigue divertir, pero sobre todo destaca que más allá de sus defectos logra en gran medida devolver un género clásico como es el de la lucha a un público masivo. Puede sonar manido pero es un juego de lucha que combina dos conceptos como son "casual" y "2.0". ¡Ah! ¡Y sale el Señor Miyagi!

Tras superar las más de 20 horas de juego que atesora este Castlevania: Lords of Shadow uno se da cuenta de la gran importancia que tiene este título creado por el estudio madrileño Mercury Steam. En primer lugar para la propia saga, la cual ya empezaba a palidecer como un zombie tras años de títulos irregulares y una mecánica estancada. También es importante para Konami, la compañía nipona necesitaba urgentemente otra gran franquicia en activo que compartiera la carga de su nombre mítico junto al espía con ciática. Para la industria española del ocio electrónico la publicación de este título supone un punto y aparte total, al fin dejaremos de ser el país de Commandos. Pero lo más importante, para el jugador Castlevania: Lords of Shadow es uno de los mayores exponentes de uno de los géneros más prolíficos de esta generación de consolas, los juegos de acción hack and slash.

En conclusión, Dive es un juego muy correcto pero también poco ambicioso por el poco tiempo que han tenido sus creadores para materializarlo. Se controla, se ve y se escucha estupendamente, pero al mismo tiempo le falta pulso, emoción y sorpresa, tres aspectos de los que Nyxquest iba más que sobrado. Ahora bien, si queremos un juego tranquilo y que se deje jugar puede ser una buena opción, y por su eficaz y fácil manejo también es muy recomendable para el público infantil. Sin duda Dive es el juego con el que las madres desearían que sus hijos jugaran antes de dormir.

Nos encontramos ante un título notable, exigente y con un toque nostálgico para los más clásicos del lugar. Además, en territorio europeo ha salido por 700 WiiPoints, 300 menos que en el resto del globo. Todo un detallazo.

Personalmente lo he situado en lo alto de las aventuras gráficas porque prefiero su elegancia a su longevidad, pero he de reconocer que después de “sufrir” los puzles de aventuras tipo “Myst” este juego es un paseo, casi una película interactiva con algunas pausas para interactuar con el guión. Runaway 3 es el colofón perfecto a una saga que nace sin hacer ruido y que merece el oficioso título de mejor juego de aventuras español, una compra más que recomendada y una trilogía que no debería faltar en tu videoteca. Hace un tiempo FX lanzó las dos primeras partes juntas en un DVD, ahora que ha cambiado de manos y distribuye Digital Bros espero y deseo que hagan lo mismo con los Runaway al completo en edición coleccionista.

Me gustaría acabar este análisis destacando unas palabras del mismo Sánchez-Crespo en la entrevista que citábamos hace un instante. Y es que a lo largo de este análisis hemos comentado que InviZimals es un juego enfocado sobre todo al público infantil –y en efecto así es– pero en el fondo hay mucho más que eso. No pasa nada si después de pasarte el Fallout 3 te da por jugar a InviZimals, tranquilo que no estás malo. Por encima de la estética del juego subyace algo todavía más importante y que es "la recuperación de ese espíritu infantil". InviZimals escarba en unas experiencias que quizás nuestra ajetreada vida haya borrado por completo de nuestras mentes. Son las aventuras que de niños eramos capaces de montarnos sin salir de casa, son aquellas exploraciones a la habitación de nuestra hermana, esconderse en un armario, creerse cualquier personaje. Estas experiencias son la base de InviZimals y la posibilidad de que podamos recuperarlas no tienen nada que ver con polígonos, ni con frames por segundo, ni decisiones morales, ni con secuencias espectaculares; son simplemente magia, la magia de este título.

NyxQuest está muy bien medido en todos sus aspectos, es un mecanismo bien engrasado y de una construcción muy precisa. En ningún momento hace ostentación de todos estos valores, al contrario, como muchas pequeñas producciones se presenta con cierta humildad, sin armar mucho ruido, y esto lo engrandece todavía más. NyxQuest sorprende y hace que nivel tras nivel el jugador esboce una sonrisa, ría a carcajada limpia por algo que no tiene explicación aparente y pegue un grito cuando un desliz acaba con la frágil y pequeña Nyx. Es el mejor juego de WiiWare y está entre lo mejor de Wii, así de fácil.

Elite Forces se queda al borde del precipicio; según el día que lo tomes el cuerpo te pedirá seguir un poco más o dejarlo para siempre. Es uno de esos títulos que, o bien te llega a divertir o lo abandonas a las dos horas en el cajón donde está el Golden Axe: Beast Rider.

Siguiendo con el ejemplo que quiere emular, FF:R no es Sin Perdón o Wyatt Earp. Es un spaghetti western de los años 70, con el sabor añejo, clásico y de sábado por la tarde en el sofá metido en una manta que tienen las películas de Leone.

La gran carencia jugable de Playchapas es el “timing” y la tensión de nuestras nostálgicas partidas (que llegado a un punto se volvían auténticas epopeyas de patio de recreo). Playchapas es demasiado mecánico y artificial, demasiada precisión, super tiros, colocación y cabalística en un juego que se caracteriza por gravilla en las rodillas y uñas negras. Resultará poco apetecible a los jugadores casuales, que no sabrán apreciar el intercambio de roles (aceptarán con mucha más entrega el “realismo” de un juego de fútbol convencional) y demasiado liviano para los más entregados. Una producción de lujo sobre un concepto original, pero nada más.