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Así que volvamos a la pregunta que nos hacíamos al principio: ¿qué puede aportarnos, viniendo como viene de un tropo tan usado en la ciencia ficción? Para empezar, el juego es valioso por sí mismo y tiene la valentía de una obra que sólo podría financiarse a través de crowdfunding. No Wand Studios han hecho el videojuego que querían hacer. Y aún con sus puzles, sus paseos, sus incordios y preguntas, quizá lo mejor lo encontremos al acabarnos el juego y estamparnos con los títulos de crédito. The Fall of Lazarus aspira a vivir una vez ha sido terminado, a ser carne de foros de discusión, a entrar en nuestra cabeza como hizo en la de la protagonista. A mi juicio lo consigue, deja varios frentes abiertos sobre qué ha pasado y nos invita a hablarlo con otros. Prueba superada

ostil es una grata sorpresa, un juego aparecido de forma inesperada y que sitúa en el mapa a los debutantes Eteru Studio. Entra por los ojos y los oídos, y crea un interés por descubrir sus misterios que ayuda a dejar pasar sus fallos. Esperemos que se animen con una secuela, me he quedado con las ganas de saber qué había en el fondo de la cueva.

La eightiexploitation a la que hemos sido sobreexpuestos durante los últimos años (y lo que nos queda) nos ha llevado por un camino en el que es muy fácil perder el foco. Crossing Souls es como esas fotos de Instagram en las que el filtro no basta. Los elementos están ahí, pero no hay rastro de las sensaciones. Creo que Fourattic se ha empeñado tanto en introducir elementos que nos recuerden constantemente una época que por el camino olvidó que necesitaba tiempo para poder encajarlos dentro de un conjunto que resultase coherente y divertido. Ojalá todo lo aprendido en este primer proyecto les sirva para llevar el segundo a un terreno en el que puedan manejar todos los aspectos con la misma destreza que el apartado artístico. Talento sin duda tienen, pero tendrá que ser en la siguiente oportunidad.

El camino en Gods Will Be Watching es tortuoso y se divide en muchas sendas que derivan en un gran final. Hasta llegar a ahí toca llorar de frustración, darle puñetazos a la pantalla y morderse los labios, hasta que de repente nos demos cuenta de que la solución está delante nuestra y que sólo debemos prestar atención. Si el jugador se acerca al juego aceptando esto, va a disfrutar tanto como a sufrir: muchísimo.

Carlos Coronado ha realizado una obra mayor en el mejor sentido de la palabra. No sólo tiene un acabado espectacular sino que su uso de las mecánicas y la relación que establece con el jugador para que éste sepa interpretarlas conforman un discurso puramente videojueguil al alcance de muy pocos. Quizás el componente argumental lo alejen del “Recomendado” pero ningún amante de los rompecabezas debería dejarlo pasar.

Zack Zero es perfecto a nivel jugable y cumple con lo que promete: Es un juego muy exigente con el jugador, con una jugabilidad adictiva y tan honesto como nostálgico. Es de agradecer que haya iniciativas, a estas alturas de la historia, que intenten recuperar las esencias y trasladen al jugador veterano a un mundo casi extinto, pero a la vez será el freno para toda una nueva generación acostumbrada a darle al botón y avanzar. Por eso, quien se acerque a Zack Zero debe tener muy en cuenta el público al que está dirigido antes de decantarse por él, o de lo contrario terminará frustrándose. Para el jugador que sí quiera algo así, será una pequeña joya.

En definitiva se trata de una muy recomendable aventura gráfica que basa su éxito en una buena historia bien narrada (aunque personalmente el giro a lo sobrenatural no me agrade) que sabe crear intriga y que deja un buen sabor de boca tras cualquiera de sus múltiples finales. Acompaña todo esto el característico estilo visual de Pendulo, puzles clásicos bastante entretenidos y algún que otro easter egg muy de agradecer para los fans. No se pueden achacar grandes fallos a New York Crimes pero tampoco alcanza el mejor nivel del género o el estudio.

Si tenemos todo esto en cuenta y lo sumamos, nos queda un gran juego. Un soplo de aire fresco cargado de honestidad y un diseño espectacular. Ahora, hay una pega importante, y es su duración. Sin buscar todos los coleccionables tendremos por delante unas cuatro horas de juego (más si somos muy torpes o nos come la prisa), y el título es poco rejugable, más allá de conseguir el 100%. En esto, debe ser el jugador el que decida si es lo que busca.

Dead Synchronicity no es una aventura perfecta ni falta que le hace. Habrá quien no entre en su juego de grises o aquellos usuarios experimentados que no encuentren un reto intelectual a la altura. Para mi sí lo ha sido, tanto a nivel formal como crítico, pero he leído por ahí que alguno se la ha acabado en tres horas, lo cual me hace dudar de mi capacidad intelectual y preguntarme si el speedrun está llegando demasiado lejos. Fictiorama ha creado una obra que, reconozco, por momentos me interesa más como reflexión que como videojuego, pero que sin duda demuestra confirma una vez más que la calidad y el presupuesto no siempre van de la mano. Dead Synchronicity es por derecho propio uno de los títulos a reivindicar de 2015, y eso tiene poco que ver con que una vez nos invitaran a desayunar.

He disfrutado mucho con el universo de Niko: Through the Dream. Su acabado artístico habla por sí mismo en las capturas que acompañan este texto, moviéndose con elegancia entre la alegría y la tristeza sin que ninguno sobresalga sobre el resto. Los diferentes puzles resultan variados, entretenidos y accesibles, lo que para alguien con tendencia a la rápida desesperación como un servidor es simplemente perfecto. El desgaste del conjunto lo componen esos niveles en los que parece olvidarse de su esencia y se lanza al vacío de una exigencia de variedad mal entendida. La ausencia de una trama de peso que invite al jugador a “querer saber más” tampoco ayuda, pero esto no puede afear un conjunto en el que el vaso siempre se ve medio lleno. Niko: Through the Dream peca de lo que es, el primer desarrollo de un estudio destinado a darnos más alegrías a nada que cuente con el apoyo financiero y de tiempo necesarios para poder explorar todo el talento que llevan dentro.

MechaNika es un título más bien pensado para disfrutar en dispositivos móviles y si eres lo suficientemente audaz, puedes acabártelo en poco más de media hora. Está lleno de crítica social dentro de un marco con aspecto infantiloide para restarle un poco de hierro a los asuntos que trata. Lo tenéis ya disponible tanto para iOS y Android como para Steam (Windows, Mac OSX y Linux), al módico precio de 3,99€. Una buena solución para invertir momentos de espera en la consulta del dentista o mientras esperas a que llegue la guagua puesto que la mayoría de los puzzles son de fácil resolución.

Red Goddess: Inner World es un viaje hacia el subconsciente. Las emociones negativas como el miedo y la ira son nuestras armas, tanto como para defendernos de los oscuros pensamientos como para alcanzar nuestros objetivos. Son parte de nosotros, y aunque a veces nos puedan convertir en algo horrible que no reconozcamos, permanecen y nos ayudan aunque sea para liberarnos. Encontrarás aliados en tu camino que esconden una terrible e interesante historia desvelada a trazos, y también enemigos que se mantienen velados. Recuerda, cuando la encuentras, la advertencia desde el inicio del juego: intentarán engañarte. Como cuando te dejas llevar por las emociones negativas, el mejor que puedo darte es: sigue tu instinto, déjate llevar por la curiosidad.

No hay mucho más que contar de Eternum, donde en la sencillez está la virtud, pues se trata de un homenaje a cierto tipo de juegos de acción que, pese a no estar en boga, nunca han dejado de ser divertidos. Las pretensiones de su autor eran modestas y el resultado me parece satisfactorio, aunque no se trate de un producto original sino de un pastiche, ya que toma prestados los gráficos de otros videojuegos de las compañías Jaleco, Capcom y Konami. Recordad que no tenéis más que descargarlo gratuitamente desde su página para disfrutarlo, aunque también podéis hacer un donativo.

Si han llegado hasta aquí ya sabrán mi opinión sobre Calendula. Después de haberlo repasado un par de veces aún me sorprende que desde Blooming Buds Studio hayan tenido el valor de sacar una obra de estas características como presentación al público. Un experimento de no más de hora y media capaz de permanecer en la cabeza durante días martilleándote sin parar. Calendula es algo más que un juego mejor o peor, es un juego necesario cuya existencia es prácticamente una anomalía. Es simplemente algo por lo que hay que pasar.

Es evidente que en Team Gotham han entendido de qué va esto. The Guest asienta sus mecánicas sobre el clasicismo mientras se preocupa por exponer en cada detalle sus variadas referencias de cultura pop. Personalmente echo en falta un poco más de atrevimiento en el tramo final cuando la trama se acerca a su conclusión, momento en el que quizás hubiese sido interesante ahondar en el asunto que plantea. Más allá de esta consideración personal, lo que tenemos es un debut sólido como una roca que debe servir para afianzar al estudio y permitirles cierta tranquilidad en su próximo proyecto. Ojalá sea así.

La única pregunta a la hora de adquirir este título es si los 1000 Wiipuntejos que cuesta merecen la pena. Yo por mi parte lo tengo claro, es cierto que a mi juicio existen mejores opciones en Wiiware, sin salir del terreno patrio NyxQuest: Kindred Spirits, o ya fuera de nuestras fronteras LostWinds. Pero también es cierto que si viene un amiguete a casa y nos apetece pasar un rato divertido el que le pongo es este Zombie Panic in Wonderland. Yo de vosotros no me lo pensaba.

Megamagic es un muy buen action-RPG que no ha descuidado sus mecánicas en favor de una puesta en escena diferente. Se le suma ese mundo de neón creado para la ocasión, pero el añadido nostálgico no es en absoluto el único argumento.

Si se acercan a él encontrarán unas doce horas de diversión, de conjuros y batallas de dificultad creciente y esa épica infantil que lleva a uno a mirar a ver si está por ahí el Amo del Calabozo entre bambalinas. Colores chillones y el poder de la amistad, ¿para qué quieren más?

En resumen, que si bien es cierto que en Slap Village no hay momentos apoteósicos, echando la vista atrás me doy cuenta de que probablemente ha sido la mejor aventura gráfica que he jugado este año, lo que me sirve para constatar la importancia que el juego de Monkey Toons y Tizona Interactive tiene y merece

Aragami se erige como un debut más que positivo. Ha encontrado la forma de ser una experiencia interesante para muchos jugadores sin perder por el camino la identidad propia por hacer concesiones. Si para su próximo proyecto pulen un poco la IA y van a tumba abierta con sus ideas estoy convencido de que conseguirán darnos algo mucho mejor. Hasta entonces, la valoración que se haga de Aragami dependerá de cada uno y su capacidad por dejarse convencer por la propuesta que nos hace de jugar lentamente y con cuidado.

El trabajo de Teku Studios en todos y cada uno los aspectos es simplemente magnífico, incluyendo las mejoras realizadas desde que pudimos probar la beta, la cual presentaba algunos errores en el control de Teku que podía dar al traste con la sensación de inmersión. Candle, al igual que su protagonista, se reivindica como portador de una llama que debe alumbrar los estándares del videojuego nacional. Estamos ante uno de los mejores juegos del año y sin duda alguna ante uno de los mejores títulos jamás realizados en nuestro país. Poco más puedo decir.

En definitiva, podríamos decir que King Lucas no inventa la rueda. Sin embargo, desprende en todas sus partes el cariño y dedicación que los chicos de Devilish Games han puesto en su desarrollo. Si bien no sería el primer título que recomendaría a un neófito en el género, los amantes de los metroidvania podrán encontrar aquí una aventura larga y entretenida en la que perderse durante horas y con la que desconectar de otras propuestas más comerciales.

Quizás la duración sea el perfil menos bueno de Rise & Shine y es una verdadera lástima, ya que en cualquier otro apartado es magnífico, llegando en algunos caso, como en el de su diseño artístico, a marcar unos estándares de calidad que pocos títulos a lo largo de este año serán capaces de igualar. Tanto si son capaces de pasar este problema por alto como si no, no duden de estar ante la presencia de uno los indies imprescindibles de 2017. Puede que me haya quedado con ganas de más, pero eso únicamente puede significar que la experiencia fue intensa y agradable. Algo que nunca puede ser malo.

En cualquier caso, no quiero ser yo quien desanime al equipo de Rainy Night Creations. Está claro que sienten gran pasión por el medio. Pero a veces esto no es suficiente. Y es que lo poco que me gusta de Vaccine no reside en lo que realmente ofrece, sino en la época a la que me recuerda. Sin embargo, con trabajo duro, estoy convencido de que volveré a sentarme delante de otro trabajo de este estudio. Y quizá entonces le conceda mi más honesta recomendación.

BOOR es un juego de luces y sombras. Los jugadores que, como yo, aprecien un estilo de juego más sosegado y basado en la lógica, se verán bloqueados por las pantallas más difíciles. Por otro lado, los achievers que disfruten de superar estos retos casi imposibles pueden encontrar aburridos los primeros compases del juego. Aunque su apartado artístico, sonoro y narrativo son originales y bien conseguidos, salvo por un par de momentos en los que descoloca un poco encontrarnos en silencio, las inconsistencias de su jugabilidad lo ponen en un lugar inestable. Quizá, si se hubiese decidido por una u otra estética de juego, BOOR sería mucho más coherente. Sin embargo, hay que admitir que, para ser la ópera prima de Dazlog Studio, es una apuesta más que decente. Desde luego, tendremos que estar bien atentos a sus próximos trabajos.

Al fin, The Red Strings Club está más en la línea de experiencias como The Beginner’s Guide donde la reflexión es más importante que el juego en sí. Lo demuestra la música de Fingerspit, que emociona y mueve, pero sin llegar nunca a forzar nada. Círcula y levita sobre los diálogos y las escenas, ayudando a asentarlas en el mundo y dándoles entidad. Tampoco hay violencia aquí. Es, en cambio, calmada y melancólica, añorante, casi.

El mismo día de su publicación, GRIS se convertía en trending topic sobre la frase de «el arte hecho videojuego». Quizá ese fue el obstáculo desde el principio, literal y figuradamente, porque lo que insinúa durante los breves minutos en que se comporta más como una versión interactiva del trabajo de Conrad Roset que como un juego, funciona. Y al mismo tiempo, la sensación de que la firma de un ilustrador se haya visto desde ciertos sectores como el marcador indiscutible de que el videojuego se abre, de repente, a la posibilidad de ser interdisciplinar, es algo que hay que tratar con mucho cuidado, aunque sea porque supone ignorar los mecanismos y herramientas propias de la narrativa, composición y estética de un medio que lleva mucho tiempo relacionándose, sin ir más lejos, con el mundo de la ilustración. Uno al que van y vienen artistas de toda disciplina y con suficiente historia como para recitar sus propias poesías.

A Place for the Unwilling se dispersa a lo largo de las numerosas manifestaciones de sus grandes aspiraciones. Quiere ser ciudad, quiere crear distancias, quiere que el acercamiento al fin del mundo sea compartido, contrastado y ecológico, pero no llega a decidir si quiere que seas solo un testigo o el centro de su universo. Sobre esta voluntad pesan los fallos de ejecución y un diseño narrativo mucho más preocupado por su propia musculatura que en ser un vehículo para voces ajenas. La pulsión que acaba marcando la obra es la del misterio, la de la madeja de enigmas que desentrañar antes de que se acaben las horas, y que acaba filtrándose a todos los paseos, todas las conversaciones, todas las vidas. Puede que, si sus problemas técnicos se solventan, A Place for the Unwilling consiga guiar a los jugadores hacia el corazón de sus gentes y sus historias, o, al menos, devuelva una ciudad más mediada, más sensible y más capaz de entender que la ecología de la muerte compartida se construye mejor con la poética del juego que con un despliegue narrativo excesivamente calculado y autocomplaciente. Pero para eso habrá que volver otro día.

Al final de todo, el desempeño estético de Blasphemous se revela como un acto de pura seducción. Un recurso que se sirve de lo cultural específico como fondo en el que impostar unas simples dinámicas de reto y entretenimiento. La posibilidad de que la reconstrucción cultural de un videojuego nacional que dé un giro hacia lo propio y lo interno acaba diluida por su apelación a lo puramente superficial, a algo que se mira pero que no tiene tiempo para conjurar una forma alternativa y esencial de hacer retórica. Ni para que cuando una minoría arrinconada del común denominador cultural aparece por fin en un juego de largo recorrido y alcance no lo haga como un simple circuito de obstáculos y enemigos que no dicen nada, sino algo que se vive, que se escucha y que se comenta. Algo que se juega.

 Y es que si algo consigue Bleak Sword con sus aciertos es que lo que parecía, a priori, la “adaptación” de algo mayor, nos parezca, al final, la creación de algo nuevo y firme (y prueba de ello será la predecible imitación, en el futuro, de su sistema de combate). Con ello consigue también golpear y echar abajo ciertas barreras mentales y nos hace comprender que lo importante de las limitaciones no es que existan (algo inevitable), sino quién, cómo y para qué se usan.

La manera en que Koral concluye con esa vuelta a la superficie a la que aludía en el primer párrafo es el epítome de esta mirada tan distanciada. La macroestructura de su movimiento es la de caer en el mar, ver su fondo y volver corriendo a la superficie para ascender hasta que todo se pierde de vista. Las nubes son el último gran decorado del juego, la lluvia de la que brotan los nombres.  Abajo no queda un mundo, sino un pretexto, el recuerdo de unos desastres en los que hemos hecho turismo, con la noción distante de quien solo está de paso y cree que, de meterse, podría deshacer sus sombras. Traer la luz a otro océano que se muere, pero al que no le dejan decir por sí mismo que lo están matando.

¿Han visto qué pocos recursos se necesitan para hablar del capitalismo, del aislacionismo tecnológico y la individualización extrema de una sociedad en la que faltan comunidades? Una tele, un cuarto del que no se puede salir, el hambre y la náusea y tratar de sobrevivir un día más. Un poco lo que hacemos día a día, traducido a una exageración para que lo entendamos.

Un retrato orgulloso de la cotidianidad que nos recuerda la importancia de ese cigarrillo que acompaña en una fría mañana a un café caliente, de dar la mano a tu hija para cruzar la calle, de apoyar la cabeza en la ventanilla del tren mientras miras a la nada

En cualquier caso, la sutil falta de entendimiento entre el diseño de juego y el diseño narrativo no es en absoluto impedimento para disfrutar de TAPE: Unveil the Memories, que cuenta con grandes virtudes e invita constantemente a no abandonarlo, incluso a rejugarlo para acceder a distintos finales. Eso sin contar con que, a nivel técnico, al título de BlackChiliGoat no se le puede reprochar nada, y todo, en conjunto, hace que sea un estudio al que hay que felicitar y seguir de cerca cualquier proyecto en el que se embarquen.

Desde luego solo puedo recomendar Your Computer might be at Risk a los que los juegos de puzles les provoquen especial entusiasmo, pero en general a cualquier persona que juegue y guste del buen hacer en el diseño y la escritura, en darle al coco y dejarse arrastrar por la narrativa. Tal es así que pienso, retomando lo que decía al comienzo, que si el juego lo hubieran hecho en Helsinki o en San Francisco, y no en Valladolid, hubiera gozado, al menos, de una atención mayor.

IDEA es un juego corto y rápido, pero es un aliciente convenientemente destacable que nos queden ganas de volver a él incluso cuando ya lo hayamos superado, en una especie de modo viaje, como hizo Tetris Effect. Estamos ante un bálsamo lúdico que aprovecha la tendencia del slow gaming para brindarnos momentos de la más tierna, preciosa y súbita relajación. Y es, desde luego, uno de los juegos más originales que se han hecho nunca en España, amén de uno de los que cuenta con uno de los diseños de juego más inteligentes. No es para menos con un título que ha conseguido que ver aparecer los logros —más urticaria que jolgorio me provocan— sea un momento que merece la pena recordar.

En Gametopia se notan las tablas, los años de experiencia, tanto en proyectos menores como en proyectos que no se concretaron. Es de largo su proyecto más ambicioso y el que les va a abrir puertas para otros proyectos que sé que ya tienen en marcha y que solo puedo desear ver cuanto antes en desarrollo. Con Verne: The Shape of Fantasy, contribuyen a esta nueva edad del videojuego español que tantas alegrías está dando.

Ugly se muestra como la gran sorpresa (hasta el momento) del desarrollo patrio en este 2023. Una apuesta sólida que crece a partir de la conjunción de arte y mecánicas y que se erige como el mejor punto de partida posible para un estudio que parece tener mucho que aportar.

Song of Nunu puede pecar de muchas cosas, pero posee una producción impecable: es portentoso técnicamente, un producto sin fisuras en el que todo funciona como debería funcionar. Asimismo, es loable que no haya que haber jugado a League of Legends para ponerse con él. Es un juego que se disfruta casi todo el tiempo por el buen hacer de Tequila, pero al que le pesa, sin embargo, ser un encargo; un aspecto que, creo, condicionará su evaluación con el paso de los años, aunque su papel como ampliador de League of Legends lo haya cumplido con creces. No me he aburrido y lo he jugado con ganas, pero siempre me ha acompañado la sensación de que caminaba por rutas manidas: en un paseo grato, pero no por ello menos paseo. Es tal vez un juego de temporada, un juego navideño, pero esto le otorga también una virtud: ser el juego que me gustaría compartir con la hija o el hijo que no tengo.