DeVuego BD

Honestidad ante todo: al adentrarme a Murtop iba con la idea de que, por así decirlo, me iba a gustar durante más tiempo y por muchos más motivos de los que al final han acabado siendo. Aquello que cuenta, a la larga, aunque no tiene por qué disminuir en intensidad, sí va perdiendo algo de sabor. Las cosas como son: hay que tener ganas de un arcade de ritmo como el que propone Murtop, porque, de lo contrario, cabe recalcar que es el tipo de juego el cual, por forma y voluntad, se te puede hacer bola muy fácil, rápido y sin quererlo. Sobre todo por lo enredosos que pueden llegar a ser según qué niveles ―y eso que a mí me gustan los desafíos exigentes―. Pero bueno, no hay muchos más motivos para ponerse reticente con el juego. Es más, y al César lo que es del César: Murtop es un juego perfecto, eso sí, para picotear entre grandes lanzamientos.

Pese a no desprender el aroma que sí dejan otros, el título es, honestamente, gustoso de jugar y está resuelto de una manera, por encima de todo, satisfactoria. Uno podría pensar que Troglobytes Games no sabe reconocer lo que se lleva entre manos, pero se nota que el equipo entiende bien sus referentes. Esto les ha permitido, en efecto, entablar una obra la cual deja un sabor de boca, en fin, muy decente. 

Por ingenioso y cautivador, por bello y turbio, no me cabe duda de que, en los tiempos venideros, el juego seguirá dando de qué hablar. Desempeña sus funciones con genuina lucidez, cristalizándose así en un viaje realmente fantástico. Es francamente difícil, en el fondo, estar a malas con Blasphemous, incluso cuando parece desconocer hacia dónde va. Porque, al final, todo aquello que nos haya hecho mantener un trato reticente queda, en comparación con las buenas ideas, eclipsado.

Pese a encontrarse unos cuantos peldaños por debajo de sus referentes, Million to One Hero se postula como una sólida alternativa dentro del género. Considero que, en todo caso, no son más que quejas menores lo que uno puede sonsacar si se propone navegar a contracorriente. Over the Top Games ha logrado que su último proyecto, aun teniendo una competencia durísima, sea un juego digno. Me gusta pensar que, en el fondo, posee suficiente potencial como para llegar a desligarse de esa equiparación inicial que sufre, irremediablemente, con Mario Maker. Cuando veo Million to One Hero, veo un juego de plataformas que, sin ser un título que claramente vaya a marcar un ante y un después, se las apaña de manera notable. Hablamos de una obra accesible que, en definitiva, se sabe hacer disfrutar, incluso más, quizá, de lo que se propone.

The Path to Die es, aun con sus irregularidades, un juego sumamente atrevido. Negarlo supondría mentir y, sobre todo, oponerse a todos esos momentos en los que ha estado sorprendiéndome. Me gusta, asimismo, cómo concentra todos sus esfuerzos en tratar de no dejar mal recuerdo. Sus ideas bienintencionadas y, de igual modo, la manera en la que ligeramente modifica el legado de sus predecesores, hacen de él una obra personal que, por medio de un estilo francamente honesto, logra dotarse de un carisma peculiar.

Detrás de cada pixel de Solo hay talento, pasión y un esclarecimiento de ideas que permite dotar de significado el conjunto de la obra de forma distintiva. Aunque, al final, todo depende de la profundidad con la que queramos aceptar el afán terapéutico de la nueva producción del Team Gotham y, por supuesto, de cómo nos acerquemos a él. Es una obra con una experiencia «moldeable» de la que todos, de un modo u otro, podemos extraer una pizca de su encanto.

A medida que uno va avanzando a través de las diferentes capas de diseño, la nueva propuesta de Carlos Coronado llega a manejarse con tal soltura que reitera la inteligencia de su cometido. Invita constantemente a la exploración, minuto a minuto, y… pese a que su manera de acercar la nueva idea del paraíso infernal no sienta cátedra, ni cree escuela, demuestra una gran capacidad y pasión. Infernium aprovecha todo cuanto tiene a su disposición de la mejor forma posible y, dentro de sus límites, consigue florecer.

The Red Strings Club es un juego bastante redondo; trabajado y, por encima de todo, escrito con mucho mimo. Las maneras de entrelazar el camino hacia el punto de convergencia son diversas, y cuando finalizamos la obra todo apunta a que podemos regresar para disfrutar de nuevas conversaciones; pese a todo, durante la primera partida, el juego consigue que seamos extremadamente prudentes en lo que hacemos, y que nos fijemos bien en cada detalle, haciendo que la primera sesión de juego se perciba como una experiencia verdaderamente única. 

The Sexy Brutale, independientemente de contener un port regular muy mejorable y unos entrelazados de guión un tanto confusos, quizá te hará desear más de él; pero creo que el abanico de cartas con el que juega tampoco dejará de sorprenderte. A fin de cuentas, la coproducción de Tequila Works, encargados de todo el diseño artístico, y Cavalier Game Studios, responsables de todo lo demás, termina por confeccionar una decente invitación a un concierto con telones de terciopelo rojo, detrás de las densas cortinas de humo, donde los cambios en la ruleta de la fortuna depende única y exclusivamente de nosotros.

Es cierto que Ginger flojea en muchos aspectos, al igual que es cierto que podría haber dado mucho más de si mismo; pero la buena fe con la que Drakhar Studios ha entrelazado todos los elementos del juego hace que la relación con Ginger: Beyond the Crystal adopte una posición nostálgica, una que nos recuerde a aquellos tiempos en que los videojuegos de plataformas 3D aún estaban dando sus primeros pasos; tiempos en los que la pureza de Banjo-Kazooie, o Rayman (entre otros), parece irrepetible a día de hoy.

Llegados al final de la primera campaña hasta la fecha, denominada Mitos Alien, el primer pensamiento que me surgió fue el de concebir que, esta clase de modelo (el servicio), no creo que beneficie al verdadero potencial idílico y artístico que hay detrás de Raiders of the Broken Planet. El nuevo título de MercurySteam, en mi opinión, creo que apenas ofrece novedades u oportunidad para intentar aprovechar sus destellos de buenas intenciones e intentar destacar; ¿podrá pasar como entretenimiento bienintencionado para aquellos que disfruten de esta clase de títulos? Seguramente sí, no dudo que si esta clase de «arte servil» existe será por alguna razón. No negaré que esta clase de videojuegos tiene su público, y otras obras de mayor reconocimiento ya lo han demostrado.

RiME es absolutamente fantástico. Así de claro. Tendrá sus pequeños tropiezos, pero su fuerza y las ganas con las que grita desde la sencillez del silencio superan cualquier obstáculo. La ambientación es soberbia y el diseño de niveles es bastante inteligente. La narrativa es sublime y la banda sonora original es sobrecogedora, la cual os garantizo que os tocará la fibra sensible una vez nos pongamos en situación y dejemos que el lienzo cautivador de RiME nos reviva el niño que llevamos dentro. Sin duda alguna, en mi caso, se ha ganado el puesto a uno de los videojuegos imprescindibles de este año. Un videojuego que todos deberíamos jugar. Un videojuego del cual podemos sentirnos orgullosos, y del que podemos tener el placer de gritar: «made in Spain!»

The Crow’s Eye es un juego que empieza fenomenal, con potencia, y que por encima de todo ofrece lo que mejor maneja durante toda la obra: el miedo. Si bien es cierto que flaquea en cuanto a mecánicas y herramientas jugables, al igual que con un desenlace confuso, no quita el hecho de que ofrece puzzles ciertamente complejos, a momentos, al igual que interesantes. Se trata de un título que da para unas buenas horas de intriga, no llega a hacerse pesado en ningún momento, y posiblemente sea la pieza fundamental que demuestra el increíble potencial que tienen estos chicos de 3D2 Entertainment, que sin duda alguna, volverán a sorprendernos en un futuro, habiendo aprendido de los errores pasados.

¿BOOR es uno de estos juegos dignos de ser jugado? Sí, por supuesto. Merece la pena jugar y meditar sobre lo visto. No penséis que este juego compite con nada, no intenta quedar por encima de nada, simplemente aporta y de la sensación de que su creador ha puesto todo lo que tenía en este juego, y por encima de todo, uno de los elementos más indispensables: la pasión. A fin de cuentas BOOR es un indie y justifica sus limitaciones, en cierta manera muy bien aprovechadas,  creando un juego bastante peculiar.

Recomiendo mucho The Guest a los jugadores que seáis amantes de los buenos enigmas y desafíos. Merece sin duda estar en nuestra biblioteca de juegos. Su tenebrosa aura de misterio, su ambientación, su genial progresión de dificultad en los puzles…todos los elementos que componen esta genial obra madrileña, junto a la profunda narrativa que encontramos tras estos retos entre otras muchas cosas, hacen que la experiencia general en de The Guest, no pueda ser vivida en otro sitio.

La gran variedad de situaciones que viviremos y el encanto de su universo sin duda es la suma de sus pequeñas partes que hace que Candle cuente con luz propia, y nos cautive al instante.

En general, Zenith sorprende para bien, ya que a simple vista parece un clon más de Diablo, pero con la diferencia que entre su sentido del humor y su jugabilidad “más dinámica” engancha. No obstante el juego deja la sensación de que no es honesto con sus pretensiones. Siendo menos ambicioso en ciertos apartados el resultado podría haber sido bastante mejor.

The Count Lucanor es una entretenida aventura que mezcla acertadamente supervivencia y puzles.  Aunque creo que su principal atractivo será para los jugadores retro de la vieja escuela. No obstante hay suficientes cualidades fuertes para atraer a aquellos que normalmente no pueden jugar dentro de este género. Sin embargo el juego consta de una duración muy breve, una vez acabado no ofrece nada más. Está planteado como viaje único, irrepetible y sobre el que no se puede volver. Aún así podríamos volver a encarar el juego y probar de obtener alguno de sus distintos finales.

He soñado que soñaba es el fruto de una combinación muy apetecible entre el análisis de corte más personal y la investigación cultural. Apetecible, sobre todo, para quienes amamos el arte de contar historias y la sensibilidad espiritual de ciertos videojuegos nipones. El envoltorio humilde que recubre sus páginas, tan desenfadado y cercano, contiene la maestría profesional de una pluma curtida. Es un proyecto pequeñito, pero con una mirada rebosante de ambición. Un librito que, bueno, junto a los videojuegos a los que se acerca, nos ayuda a comprender que, en las ruinas circulares del samsara, como diría el gran maestro Borges, “quizás no somos más que la apariencia que otros están soñando”.

Al principio, aun intuyendo que sería un grandísimo libro y que me gustaría, me acerqué a Videojuegos y conflictos internaciones pensando en él como un ensayo más. No lo veía como un posible indispensable, simplemente… café para cafeteros, vaya. En mi cabeza, lo constituía, ya digo, como una ventana extra a quienes buscamos expandir nuestra visión sobre la (compleja) relación que los videojuegos pueden llegar a establecer con la realidad de su momento. No obstante, cuando lo finalicé tuve que recapacitar al respecto. Porque, sin duda alguna, no es baladí que, con esta obra, los autores hayan iniciado «una línea de investigación en castellano inédita hasta la fecha»

El libro cumple con aquello que se propone: todas las piezas están bien dispuestas en su sitio, las cosas como son. Sería injusto señalar que el libro carece de profundidad o ambición. Creo que, en fin, no queda otra que alegrarse de que algo así exista. Porque, así como yo, de pequeño, llegué a desear que un libro de estas dimensiones fuera posible, estoy seguro de que, aún hoy, habrá quien anhele una herramienta de este estilo. Sí, Construir el Infinito es tan versátil y robusto como una herramienta, y viene de perlas tanto para expandir el solar de nuestro conocimiento sobre videojuegos como para reforzarlo. 

Es un ejercicio brutal y fantástico, en fin, este Pasado Interactivo, el cual da lugar a, quizás, uno de los ensayos más importantes del año 2020. Me ha parecido un libro realmente imprescindible: resulta riguroso como el que más, y encima, reiterándolo, posee una frescura y una trasparencia que hacen de la lectura un recorrido, sin duda, muy, muy agradable. Es una obra que comunica una valiosa lección sobre la relación que el medio puede mantener tanto con la historia como con su herencia del cine (sobre todo de género histórico) y de la que, en consecuencia, extraer valiosas lecciones acerca del videojuego histórico contemporáneo. Las implicaciones de todo su contenido proyectan un eco ―sin duda alguna profundo― que, a medida que avance el tiempo, irá incrementándose. Porque, parafraseando a Venegas ―quien lo recalca en prácticamente todos sus trabajos, de una forma u otra―, el estudio del videojuego histórico resulta esencial dada su extrema relevancia para entender nuestra forma de relacionarnos con el pasado en nuestro presente.

El valor de El Soñador de Providence reside en el rigor, el buen gusto y la honestidad. En este libro, todo rema hacia una misma dirección: hacer que todo lo que tiene Lovecraft de interesante, junto con el potencial de los videojuegos, brille con luz propia. El Soñador de Providence es, como resulta habitual en los libros de Héroes de Papel, un muy buen ejemplo de cómo presentar ensayos desde una óptica creativa y de forma, si no novedosa, cuanto menos memorable.